公共艺术家作品

今天运困体育就给我们广大朋友来聊聊艺术家作品,希望能帮助到您找到想要的答案。

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• 1、求北京奥运会核心创意组成员马文的个人资料（详细为上）
• 2、创意 | 地铁站就是艺术殿堂
• 3、2020静安公园雕塑作品介绍？
• 4、谈谈对公共艺术的理解
• 5、影响公共艺术创作的环境因素
• 6、城市公共艺术景观设计研究
• 7、波普艺术的代表人物

求北京奥运会核心创意组成员马文的个人资料（详细为上）

马文，艺术家。1999年获纽约普拉德艺术学院硕士学位。

作品以公共艺术、装置、录像、绘画、社会性活动、行为艺术、服装设计等多种形式在欧、美、亚各国展示。

北京2008奥运会、残奥会开闭幕式核心创意小组成员，兼视觉特效艺术主任设计。全程投入四个仪式的艺术理念和形式的创意、筹划和实施工作。 同年作品：数字北京大厦的《夹缝间的世界－梦想帝国》，北京天安时间当代艺术中心的《新大闹天宫一》，中国美术馆的《新大闹天宫二》等作品。

其它作品包括：纽约古根海姆美术馆的《你 我 你们》；伦敦泰晤士河边的《等待中的女人》；新加坡的伊斯兰教、犹太教和天主教堂同时展出的跨越宗教界限的视听三部曲《化缘》；意大利埃尔萨山谷市所永久收藏的公共艺术装置《风园》等。

创意 | 地铁站就是艺术殿堂

地铁，日渐成为人们出行的重要工具。这个飘逸的精灵，轻盈地穿梭于城市中的每一个角落，不仅记录着城市发展的点滴，也架起了城市的地下网络。许多城市的地铁站都折射着这座城市独特的文化，它们或梦幻，或艺术，或华丽，能让你在安静候车的同时收获一份特别的体验。

走，让我们去这些城市中的“地下艺术宫殿”一饱眼福……

瑞典·斯德哥尔摩

斯德哥尔摩的地铁站被誉为世界上最长的艺术长廊，在110公里的红、绿、蓝三条地铁线沿线一共分布着100个地铁站，其中超过九成都展示着丰富多彩的公共艺术作品。这些作品来自于150位艺术家的奇思妙想，最早的一幅作品可以追溯到1950年代。

斯德哥尔摩有许多地铁站是直接在地下岩层中挖出，艺术家们运用了一些艺术手法将站顶天花板装饰成如刚开凿的洞穴般坑坑洼洼，让人们感受原始洞穴和现代艺术融合的魅力，让斯德哥尔摩居民十分引以为傲。

意大利·那不勒斯 

位于意大利南部的第一大城市那不勒斯可是个充满文艺气息的地方，而意大利的服装设计又是举世闻名，所以这里的地铁站自然也要“与时俱进”，紧跟时尚的潮流。  

位于那不勒斯的Toledo地铁站由设计师Oscar Tusquets Blanca设计，曾被CNN评为“世界最美的地铁站”。站点的主题是“光与水”，站内的墙面和地面全都覆盖了深浅不一的蓝色马赛克，在LED灯的映射下，星星点点的光斑布满了整个空间，构筑出一片耀眼的星河，又好似无垠的大海。当你站在这里时，你会感觉自己在跟宇宙和海洋对话。如此具有冲击力的视觉效果背后，是一项名为“艺术车站（Art Stations）”的项目，来自世界各地的近百名艺术家为那不勒斯的地铁站进行精心设计。在这样的环境下，每日乘坐地铁都成为了平凡的生活中的浪漫体验。

那不勒斯绚烂的Università地铁站出自Karim Rashid和Alessandro Medini之手，通往车厢的楼梯上贴着印有现代化词语的瓷砖，象征无处不在的科技；而由两个圆柱组成的艺术好似人脸，代表对话与沟通。

俄罗斯 • 莫斯科

俄罗斯的地铁站以民族特色闻名，华丽、金碧辉煌是它们的代名词，也正是如此，这些地铁站成为了名副其实的“地下宫殿”。

莫斯科的地铁站尤为漂亮，5号线共青团站（Komsomolskaya Station   ）是莫斯科最繁忙的交通枢纽，在这里，你可以看到精致的吊灯、典雅的雕花、鹅黄色的穹顶、画有共产主义内容的马赛克镶嵌画。俄罗斯人把对理想的追求融入到地铁站的设计中，充满了创造力。相信共青团站扑面而来的“皇宫”即视感，一定会让你流连忘返。

2号线上的马雅可夫斯基站（Mayakovskaya Station）是莫斯科地铁站中名气最大的一个，以苏联革命诗人马雅可夫斯基的名字命名。地铁站整体风格呈“斯大林式新古典主义”，大厅两侧的大理石拱门上都镶着不锈钢。其拱顶的天花板是亮点，曾于1938年在纽约国际展上获得大奖。每一个拱形内都有十几个小灯沿着曲线的轮廓分布，齐齐绽放的灯光让这里通透明亮。而在拱顶凹陷处里则嵌有苏联画家杰伊涅卡的马赛克壁画，共31幅，这样巧妙的设计让人不禁驻足，抬头欣赏穹顶上的风光。

德国 • 慕尼黑

或许德国给人的印象就是冷静、机械、工业的，而慕尼黑这座城市地下却有着无比绚烂的色彩。高纯度彩色的墙面和灯光，让人感到自己乘坐的不是地铁，而是进入了某个游戏世界。每一处都整洁干净倒是继承了德国风格。

位于慕尼黑的Westfriedhof地铁站于1998年落成，起初并无亮点，但在2001年的翻新整修中，站内安上了11盏直径长达3.8米的巨大圆顶照明灯，投射着红黄蓝3种颜色。一脚踏入，如同进入了绚丽的色彩空间，魔幻感、奇妙感纷纷涌入。

Marienplatz是慕尼黑使用最频繁的地铁站，站内的设计充满未来感。弯曲而多样的色彩设计别具创意，极易让人生出时空错乱之感。

HeidelbergerPlatz地铁站建成于1883年，连接了U-Bahn和S-Bahn。古典优雅的车站宛如宫殿一般，配上呼啸而过的地铁，乘客在这里仿佛进行了一场时光穿越。

匈牙利·布达佩斯

Szent Gellért Tér地铁站是布达佩斯最重要的基础设施项目之一，在设计师们的巧手下，这个拥有36米站深的地铁站成为了一个与城市氛围迥异的地下艺术空间。钢筋混凝土的原材料创造出了它大气磅礴的骨骼式结构，墙壁与天花顶上铺设的约280万块小型马赛克瓷砖，组合成了极具线条美感的波浪形图案，更让这个地铁站刚柔并济。当你走进它，仿佛能看到滔天巨浪滚滚而来。 

阿联酋 • 迪拜

迪拜以奢华闻名于世，迪拜的地铁也不例外，它号称是世界上最长的无人驾驶城市快速地铁，目前已运营4年多。但奢华的迪拜也有不失艺术感的地铁站，地铁红线与绿线交集的Khalid Bin Al Waleed就是颜值颇高的一站。其外形和内部都非常精美，站内装饰犹如一只大号的蓝色水母，下垂的装饰物宛如水母的触手，当蓝色的灯光照下来，一片辽阔的海洋似乎就出现在眼前了。

Mall of the Emirates Station地铁站这座带有空调且一尘不染的地铁站由凯达环球建筑设计公司打造，并配备全球最长距离的无人驾驶系统。酷似巨型机翼或船帆的造型容易让人联想起这里昔日钓养珍珠的历史。站内凭借一款浮夸的水母造型灯，成功吸引了游客们的目光。结合了传统和现代的设计风格，强烈的颜色对比，给人一种与众不同的视觉刺激与感受。

 葡萄牙·里斯本

Olaias Station是在为纪念葡萄牙航海家达伽马，发现印度航线的500周年时，在里斯本举办的1998年世界博览会时建造的，由建筑师Tomás Taveira打造，堪称上佳的现代艺术品。当时设计风格浮夸，如今倒成就了它身为一个艺术品的价值。在这里能看到五彩色块高挂天花板上，而一根根红色的圆柱傲然屹立于月台。如此神奇而现代的建筑让人犹如置身于万花筒中。

法国 • 巴黎

The Arts et Métier Station，Arts et Métiers 翻译出来就是“艺术与工艺品车站”。为纪念工艺美术馆建馆200周年，The Arts et Métier 地铁站被来自于1994年比利时连环画家 François Schuiten 设计成了潜水艇的样子。地铁站内采用了大量潜艇窗口、铆钉装饰和暖色金属，风格独特。站内自上而下全是古铜色的，而墙上的玻璃舷窗以及头顶的巨大齿轮，会让人犹生进入《海底两万里》的错觉。

中国的很多地铁站也非常有创意，与国外相比，毫不逊色。

 中国·广州

南沙客运港站当属广州最漂亮的地铁站之一。湖蓝色的色调让它像极了海洋，售票机则镶嵌在一艘原木色的大船内，独具特色。这艘船以“郑和宝船”为原型，其设计寓意着“宝船起航”。站内的地板和楼梯都采用玻利维亚蓝花岗岩石材，当天花板上的灯光映射下来，你仿佛正置身于波光粼粼的海面上乘风破浪。

南海神庙站也很有艺术感。白色与红色的结合让它有着神庙的庄重，大理石地面上的线条与流线型的顶灯相呼应，共同描绘出“海不扬波”的场景。海上丝绸之路的风貌亦通过这一设计呈现在眼前，同时也让人感受到悠久的岭南文化。

 中国·上海

上海汉中路地铁站内，以“地下蝴蝶魔法森林”为主题的灯光装置作品装饰了这个地下空间，这也是新媒体艺术第一次进入国内地铁站。2015只彩色蝴蝶构成的蝴蝶墙让冰冷的站点变得色彩缤纷，两边的柱子代表了森林的形象，闪烁的光影让蝴蝶看起来在翩翩起舞，十分灵动。此外，上海科技馆站、静安寺站、徐家汇站也很有特点。

中国·昆明

粉红色的墙面、空中“漂浮”的白云、楼梯上的情话……颇具少女心的设计令昆明春融街地铁站A口的出口处成为了近期打卡的好地方。不仅楼梯是取景的绝佳地点，这里还有布朗熊玩偶、表白墙、粉色泡泡池等一系列供人拍照之处，也正是如此，它吸引了无数人慕名而来。这个“粉色天堂”另一亮点之处就在于 “一步一情话”的设计，每登上一层台阶，你就可以收获一句甜言蜜语，在这样的氛围中，赶路的步伐似乎都变得温柔了起来。

中国·武汉

武汉王家墩中心地铁站以“璀璨星河”主题结合多元、细腻的表现手法，打造出一个令人神往的特色地下空间，被称作亚洲最美地铁站。站厅中央有直径21米的巨大采光穹顶，就像一颗水晶球浮出海面。与“华中第一高楼”——武汉中心大厦交相辉映。

中国·天津

津湾广场站是天津地铁“最惊艳”的一站，精美的弧形吊顶，华丽的复古欧式水晶顶灯，宏伟的圆柱，与其搭配的雕刻精致的艺术墙，瞬间给人一种置身于欧洲的感觉。充满了欧式古典风格的地铁站与津湾广场地上欧式建筑巧妙融为一体，让人仿佛来到一个隐藏于地下的欧式宫殿。

中国·北京

北京雍和宫地铁站涵盖了全国各地的设计风格，是最具特色的车站。雍和宫站的立柱全部采用正红色，护栏全都采用汉白玉雕花制成。雕花护栏在错层之间一字排开，图案包括龙、牡丹等中国传统图案。此外，站内的两张巨幅镀金壁画将车站装饰得金碧辉煌，极具东方神韵。地铁站营造出金碧辉煌的视觉效果，表现厚重的文化感。

中国·苏州

察院场站是以苏式彩韵为设计主题，采用一站一景的形式展现“诗画江南”。站内以蓝色系的“单位模块”作为基本的设计单体元素，彩色的小方块象征苏式商业文化元素在这里一点点沉淀，通过与背景灰色系的老城江南民居交相辉映，使观前街附近的历史人文古迹、独具特色的江南民居和现代化的建筑元素巧妙地结合在一起，勾画出观前街周边百年的城市记忆和现代商业发展的繁华。

中国·成都

中医大省医院站是成都“最美地铁站”，站内墙壁装饰彰显中医附院站的古色古韵，和站名相得益彰，具有强烈的视觉识别感，该站设计以中国传统中医文化为出发点，柱子的造型是具象的竹简样式，天花板式采用二十四节气的设计，文化特色跃然眼前。

中国·重庆

小龙坎地铁站室内采用“森林重庆”主题涂鸦，车站宽19米、高7.54米、长80米的站厅顶层，成就了中国地铁车站站厅层最高、最大的单拱结构涂鸦装修空间，给人以童话世界的幻觉。小龙坎站的三个进出口扶梯旁边，分别飘散着黄葛树叶、桂花树叶和银杏树叶，处处体现着重庆元素，这样的涂鸦风格让重庆小龙坎站成为重庆最美车站。

2020静安公园雕塑作品介绍？

慈航

作品解读

这件大型朴素的装置无疑蕴涵了双重意义，既创造了一件类似扩张性的雕塑，又营造了

一个近乎外星世界的奇异的公共空间。其造型仿佛遭受龙卷风的侵袭，充满脆弱感和运动感，但这种暂时的装置

仍散发出令人惊异的思想内涵，在任何氛围中都渲染出一种独特的气氛。为忙于工作后休闲的人们提供一处庇护所，“一个冥想之地，和平之所”，充分再现“雕塑代表运动的瞬间”的美学观念和内涵。

艺术作品的创作理念

阿纳·奎兹（Arne Quinze）这位以非传统性和具有争议的公共装置艺术而闻名的观念艺术家，在2010世博静安国际雕塑展的“城市幻想”主题下，展示了一幅城市白日梦：一边是历史的颠覆，一边是文明的重建，一边幻想着未来的无限可能，一边渴望着风暴来得更猛烈些。

奎兹对以往人们习惯于在广场上互相交谈的时光情有独钟，所以他特别考察了静安雕塑公园曲廊的空间，充分发挥了自己的想象力，用大量木材完成了为雕塑展特别创作的全新大型装置艺术——《火焰》。透过层层的架空与重叠，雕塑达到匪夷所思的平衡，白天光影斑驳，夜间灯光交互折射。它，更像是都市人幻想的思绪，庞杂中蕴含有序。

《火焰》将电光穿梭流转于公园中天然树木的情态凝固下来，人们定会被它的宏大规模所吸引，交汇的影子和日光穿插在凝固的柱子之中，这是一种梦幻般的经历体验。感受着它散发出的持久活力。它让人们重新思考，想着所发生的事情，和熟识的人们见面。 [4]

合流

作品解读

艺术家用一种把现实抽象化的愿望，使作品诞生了如水般流动的幻觉。在他雕塑的令人兴振奋的静止状态中，表现出生命力的另一个方面，从而成为永恒的精神。

艺术作品的创作理念

在艺术家的角度，雕塑不仅是超越自己，还应显示出一种内在的生命方式，《合流》便是对于精神境界的一种解读，柔软的金属线条构成真实世界中一道流动的风景线，既表现了尘世，又显示了红尘之外的世外桃源，完全处于梦境最真是精确的边缘上。蓬塞的雕塑语言朴素、淡雅，却也创造出生活中迸发的激情与力量。通过作品与大众相接触而产生的快乐与幸福，是难能可贵的。蓬塞坚持雕塑的外形创作在古典理念中是第一位，雕塑的外形不仅是庄重的而且须在持续不断的时间长河中永远存在下去，构造雕塑的外形要不受束缚，作品的外形要使变幻的光影明暗效果在其中表现出来。 [5]

和谐

作品解读

作品成为与空间整体和谐的元素。作品形态的线条从未真正地断裂过，而是在光线投影之中栩栩如生地向世人展示他的和谐、丰富与快乐。

艺术作品的创作理念

许多艺术收藏家会对蓬塞在铜雕作品中运用阴影和反射的表现手法痴迷不已，而当你欣赏过蓬塞的多件铜雕之后便会发现，蓬塞的每一件铜雕作品都是那样绚丽而丰富，这种绚丽不仅是形式上的，也并非隐藏于艺术家高超的雕塑技艺之后，更不是遮蔽于他创造出的具有完美外形的艺术作品之上，确切地说，这是一种精确严密的绚丽，可以引发人们对植物、动物或花卉生长的联想。蓬塞魅力四射的铜雕作品中，一定程度的张力弯曲和巧妙平衡的冲突，是细腻和柔美的产物，他所有的作品都有一种纪念碑的价值，都是一件完美的“建筑”精品。

《和谐》外在具体、和谐并且优雅，仿如将真实世界的景象提升到柏拉图意义的“想像构思”的高度，蓬塞不停地梦想着这种由物质向精神上的转变和过度，他有着强烈的愿望想要把作品的品位提升到高雅的层次。 [6]

巨型风向车

作品解读：

作品融入中国传统剪纸技法的趣味，底部的稳健三角造型，扎根于上海的土地。上方的风向指针以几何造型呈现，塑造出以“气”为原理，让气流运转自由穿梭于既厚实又灵动的形体间，舞动风向车的机械结构，兼顾细腻的处理，拔地而起的优美线条向天际延伸，犹如乘风启航，将生命力、活力注入其中，象征上海的跃动和勇往直前的力量。

公共收藏

当代美术馆，哈瓦那，古巴

当代艺术博物馆，纽约，美国

Hirshhorn博物馆，华盛顿，美国

蒙特利尔当代艺术博物馆，蒙特利尔，加拿大

庞毕度中心国立现代艺术美术馆，巴黎，法国

艺术作品的创作理念：

法国大师级艺术家菲利普·伊其理为上海市创作的这件景观雕塑，以巨型的金属钢板

切割出简洁明快的线条，其整体创意大胆、幽默、而不造作，构成一种特殊的奇观，三座12米高的风向车迎风矗立于静安雕塑公园石门二路入口，犹如将天地一分为二；而流线几何的造型与上海的繁荣活力相互辉映着，现代感的造型象征上海身为一个国际化都市所拥有的品味。风向车是测量风向的仪器，也是梦之捕手，连接着城市的器官，捕捉着城市最迷离的美梦；又像幻梦精灵的触角，灵敏地感知世界的潮流。只要看见风向车的箭头方位，就可以知道风向，寓意上海，这座灵性的城市，正是幻梦的天堂。看着上海，如同看着风向车，世界的潮流方向一目了然。上海是中国最大的国际化都市，而位于上海心脏部位的静安区，集结了经济、时尚为中心高速发展，城市雕塑、公共艺术亦成为注入人文丰富生活的使命。三座风向车分别象征着上海为世界经济、时尚、人文的指标性城市，为迎接2010 年上海世博会增添精彩一笔，是这个海纳百川朝气蓬勃的城市使得生活更美好。法国雕塑大师伊其理将这个可以随风转动的艺术品献给上海，便是表达了他对上海这座国际大都市的喜爱，和对上海真诚接纳世界文化的赞美。 [7]

黎明的翅膀

作品解读

大理石被赋予了生命的活力，艺术家用他的灵魂来捕捉大理石的震颤，追求“使光线穿透大理石”的微妙构图，洁白的雕塑微微张开，一如黎明的一线光亮，为人们的心灵与梦想插上了翅膀。艺术作品的创作理念大理石，就像铜一样，是一种可以持久的材料，而那些死气沉沉的材料例如树脂，则很少吸引蓬塞的注意力。蓬塞作为艺术家有着非常传统的态度，他在作品的形态中不断寻找节奏、平衡及其持续的时限，他的作品风格极古典又及其现代，以至于今时今日再来欣赏蓬塞的作品，依旧能感受到一股新鲜的艺术力量，传统而现代，含蓄而和谐。

蓬塞偏爱大理石料像调色板一样多姿多彩，但同时他也十分看重朴素的石料，如果只能选择一种大理石，他会选择白色大理石。大理石纹理以及颜色、外形、粗糙程度、光泽亮度都对他的创作产生重要作用。他以一种热情和感动进行创作，让笨重却纯净的大理石在他的妙手下翩翩起舞，轻盈跳跃，人们也可从中辨认出热情和流畅的特点，大历史不只是一种融合的结果，而是无机的，甚至更加神秘、更加美丽。《黎明的翅膀》便犹如扇动的白色翅膀，这些展开的雕塑曲面更像是一种诗歌语言、甚至是音乐语言，超越了触觉的呼唤，给人以充满灵性的感觉，表现出对生活的赞美。 [8]

谈谈对公共艺术的理解

公共艺术是指在城市设计、建筑空间、公共场所等公共领域中，通过各种艺术媒介来表现、创作、呈现的艺术品、装置或艺术项目。

它是一种以公共场所为展示空间的视觉艺术，是一种以艺术家的艺术作品为载体，为广大公众呈现艺术的方式。公共艺术不仅仅是一种艺术形式，更是城市文化、城市形象、民族精神的重要组成部分。我对给人留下深刻印象的公共艺术，即是融合了文化内涵和艺术创意的艺术品。

公共艺术的目的是为人们提供一种文化消费的方式。其目的是在公共领域内，通过对艺术征收的费用或者公共艺术展示的巨大影响，为公众提供可参与的文化空间和文化资源，并让文化艺术内容深入人心，被人们所接受。

公共艺术还承载着城市形象、文化内涵等方面的多重意义。公共艺术呈现在城市的空间中，让人们与艺术品融为一体，感受城市的文化魅力和艺术氛围，增进人们对城市文化的认识和理解，同时也有利于提升城市的知名度，塑造城市的形象。

公共艺术作品的设计和创作使得空间本身得到了更好的利用，增加了美学价值，营造良好的城市氛围，使城市空间逐渐变得更加优美，让广大市民获得心灵上的满足。公共艺术的创作还会考虑公众的审美眼光，从而更好地与公众产生联系，使观众对城市及其人文氛围的认识更加深入和全面。

公共艺术是城市文化的重要体现，公共空间中的艺术品作为重要的城市景观之一，不仅仅是与艺术品本身有关或者是建筑而已，它更代表着城市的文化传承和城市内涵里的文化认同和融合。

公共艺术的创作和呈现，需要高度的审美意识、现代设计思维和创新思维以及对城市文化身份的敏感度，这样才能切实凸显公共艺术的价值，提升城市的文化品位和品质，让公众在欣赏、感受中获得身心的启迪和满足。

艺术介绍

艺术是反映人类社会生活和思想的一种创造性的活动，是以表现形式传达思想、情感、审美理念和对现实世界的认识的一种综合性的社会文化现象。艺术包含了很多不同的领域，如音乐、绘画、雕塑、摄影、舞蹈、戏剧、电影等。

艺术从人类文明的早期就开始出现，并且发展至今已经经历了数千年，不同时期和地区的艺术作品体现了当时世界观、社会状况、政治制度、道德价值观等方面的特点。艺术的涵义与解读因时代、地域、人群等的不同而具有多样性。

艺术的特点包括：创造性、表现性、审美性、独立性、时代性等。艺术家通过对现实世界的表现和对内心感受的反深度去创作出符合美学规律的艺术作品。艺术品的价值和意义不仅在于其艺术造型的特点和表现手法，还在于其文化传承的基础上所表现出的思想和情感的内涵。

随着社会的发展和人们审美需求的不断变化，艺术的形式和内容也在不断地创新和发展。现代艺术更加注重艺术本身的语言和内在价值，艺术作品以独特的思维方式、观念和语言来表达，其风格、手法和形式无比丰富多彩。

影响公共艺术创作的环境因素

公共艺术是一种创造出现在我们的城市和公共空间的艺术形式，它的创作过程及其结果都会受到环境因素的影响。以下是一些可能影响公共艺术创作环境因素的例子：

空间：公共艺术是为公共空间创作的，因此空间因素是一个至关重要的因素。例如，艺术家需要考虑作品的大小、形状、高度、颜色和灯光等因素，以确保作品与周围环境相协调，还需要考虑如何让作品能够在不同的天气条件下保持美观。

社会背景：公共艺术是为大众服务的，因此必须考虑社会文化和历史背景。艺术家需要深入了解社区的文化背景和历史，并将这些元素融入到作品中，以使作品更易接受、更具代表性和更与社区有关。

生态环境：公共艺术作品对于生态环境有很大的影响。例如，艺术家可以选择使用可再生和环保材料，或者选择使用能够适应天气变化的材料，以创建持久的作品。此外，艺术家还需要考虑作品对当地生物多样性的影响，并尽量避免破坏生态环境。

资金和资源：创作公共艺术需要耗费大量的资金和资源。因此，艺术家需要考虑如何有效地使用资源，并制定可持续的艺术创作计划，以确保作品能够达到预期的效果，并为未来的维护和保护作品提供资金和资源的保障。

总之，公共艺术的创作是与环境因素密切相关的。了解和考虑这些环境因素，将有助于艺术家们在创作过程中更加充分地考虑社区和环境的需求，创作出更有意义、更符合社会和环境标准的公共艺术作品。

城市公共艺术景观设计研究

城市公共艺术景观设计研究

现代的公共艺术景观范围更为宽广，是一个更为开放和自由的空间，甚至整个大地都能成为其展示的舞台，也体现在景观规划师、城市建筑学和艺术家之间的融合。下面就来看看城市公共艺术景观设计研究吧。

一.引言

公共艺术所包涵的内容十分广泛，一切具有公共性，为公众服务的艺术形式都能被称为公共艺术。公共艺术作品经常是构成一处特定景观环境的主体和视觉的焦点，在空间形态、比例、色彩、质感、人们情感等方面协调与周围环境的关系，构成与建筑及人居环境之间的完整。公共艺术只有与城市的环境、政治、经济、文化等方面相协调一致才是最适宜的，从大环境和系统的角度认识公共艺术景观是很有必要的。

二.公共艺术的形式

公共艺术景观除强调它的公共性与公众的交流和互动以外，在价值上，还尊重不用的文化差异，体现出多元丰富的特征，打破了传统城市雕塑和景观艺术视觉上的审美，还强调了趣味上的“正面性”，功能上的“纪念性”等特征，在作品形态上，也体现出多样性的特点。

(一)是让艺术作品向公共空间

走走出美术馆，走出工作室，让个人的“架上”作品走进公共空间，成为让公众共享的艺术。公共艺术改变了传统艺术：艺术家、作品、观众这种流程，使艺术成为真正公众艺术。一个好的公共艺术作品，有时候只要是一个好的创意，就会吸引众多艺术家和公众来积极参与的

(二)走向生活的艺术

公共艺术与环境的协调不仅仅是视觉审美上的协调，也是与这个生活环境的协调一致。在早期，艺术的出现被看作是高雅的艺术、富人的天堂，公共艺术的产生使艺术从工作室、展览馆走向大众。一方面，它的表现越来越贴近生活，充满平常生活的情趣;另一方面，他所用材料也更加平常和廉价，表现的内容充满了生活的幽默感。在法国巴黎的5月、10月，很多艺术家会集中开放自己的画室，供人们参观欣赏，很多艺术家都利用了廉价的材料，表现的十分有个性，吸引着人们的眼球。

(三)以城市雕塑和景观艺术的形式出现

以这种面貌出现，为它们赋予了新的文化内涵和意义。这也是当代公共艺术的常见方式，具有雕塑的形态，又丰富了原来意义上的内涵。一些给人印象深刻的公共艺术都是经过艺术家、规划师精心布置的，公共艺术几乎都不会以一种孤立状态存在于环境中，通常都是与周围环境组合在一起。公共艺术以视觉要素的形式出现，一件成功的公共艺术作品也会对某些方面起到一定的作用。例如斯图加特，它是一座山城，地形有很大的起伏，因此道路上的雕塑也可以起到良好的导向作用，有些雕塑造型的顶部具有一定的识别性。

(四)壁画与玻璃艺术

壁画可以说是艺术从私人空间走向公共空间的最早形式。在欧洲，建筑壁画应该是艺术走向公共空间的第一步，很多国家都有过推动自己的公共艺术的'政策，例如，在法国，为了不拆毁旧的建筑，艺术家在这些建筑立面上进行绘画，以增加建筑的艺术价值，同时也提升了整个城市的艺术品形象和品味。在国外很多城市街头，都能够看到很多这种描绘生活的写意艺术，使人感到欣喜、惊讶和浪漫。

(五)在时间上放弃了对永久性的追求

随着公共空间艺术作品越来越多，艺术家们更喜欢在特定时间和地点内创作作品，所以作品的坚固与地点的固定越来越不受艺术家的喜爱。公共艺术放弃了对永久性的追求，相对于传统雕塑的永久性更具有灵活性，它们只存在于某个时间段和地点。例如法国巴黎一件被冰冻住的衣服，冰慢慢融化，好像在传达着：我们终于可以在某个困境中挣扎出来，可是要慢慢等待，这决定于周围的环境，好像自己无能为力，这个等待的过程就实现了艺术家的观念。如果去欧洲旅行，也会看到很多很好的街头艺术，它的表现给人们带来了生机和乐趣。

三.公共艺术的特征

(一)针对特定时代、地域和环境

它不是放之四海皆可用、普遍适应的艺术，它是针对特定时代、地域和环境的。

(二)公共艺术应引入社会学

公共艺术景观强调了公共性，是与社会、公众、空间相互作用实现的，它的方法和观念首先是社会学的，其次才是艺术学的，只有体现了对社会的人文关怀，才是一种可能有效地艺术方式，它的社会价值比艺术价值更重要，共性比个性更重。

(三)艺术家的创作受到多方面的影响

公共艺术景观场所的设计受到多方便的影响，其中艺术家受环境影响和对城市认识、价值取向都会体现在艺术作品之中。所以这些作品都是个性鲜明的，是艺术家们展现自己的舞台。

四.公共艺术与生态环境的和谐

在公共艺术领域，开放性使公共艺术景观涉及到全民的生态意识，涉及城市用地、水资源绿化等众多环境，涉及人们的生产消费观念，涉及到历史遗产保护等问题，因此，公共艺术景观体现的生态、人文意识使得很多艺术家都通过自己的作品传达着绿色生态和人文的和谐。

(一)绿色生态

城市公共艺术景观的设计、实施，绝不应脱离对城市地理环境和自然资源的思考。如果没有适合人类生存很愉悦生命精神的环境，而仅是纯粹的艺术物件，或者以破坏和失去前者为代价，那么艺术的魅力及其内在意义也就不存在了，因此，细心地将公共艺术创作设计，融入到其地区的生态及景观维护中去，是非常有必要的。

(二)人文遗产

优秀的公共艺术景观与本地域的人文规划设计是分不开的，它建立在城市规划、自然形态及人文基础之上，并对自然和人性深度关怀。公共艺术不仅是装点城市中心区域及广场，而是使其在城市分区规划中融入，成为不同形态社区文化和居民生活场景的组成部分。随着城市变迁，给我们留下很多非常珍贵的人文遗产，这些都是公共艺术设计的重要资源。

五.结语

现代的公共艺术景观范围更为宽广，是一个更为开放和自由的空间，甚至整个大地都能成为其展示的舞台，也体现在景观规划师、城市建筑学和艺术家之间的融合。公共艺术景观与大自然城市、建筑密切联系在一起，它融于和属于整个城市，设计师有责任通过自己的设计将公共艺术景观融入城市，改善城市环境。

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波普艺术的代表人物

波普艺术的代表人物有：安迪•沃霍尔、罗伊•利希滕斯坦、草间弥生、村上隆、理查德•汉密尔顿、大卫•霍克尼、凯斯•哈林、格哈德•里希特、阿历克斯•卡茨、克莱斯•奥登伯格等。

1、安迪•沃霍尔

波普领袖，安迪•沃霍尔被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一，是波普艺术的倡导者和领袖，也是对波普艺术影响最大的艺术家。他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法。沃霍尔除了是波普艺术的领袖人物，他还是电影制片人、作家、摇滚乐作曲者、版商，是纽约社交界、艺术界大红大紫的明星式艺术家。

2、罗伊•利希滕斯坦

波普艺术的超级明星，美国波普艺术大师罗伊•利希滕斯坦，被艺术学界肯定为创造了纯粹的美国新绘画。在20世纪中叶，抽象表现绘画盛极一时之际，他和纽约年轻一代画家，提出了新形式的具象绘画——波普艺术，在60年代一举成名，成为足与欧洲绘画体系一别苗头的新美国艺术，甚至许多曾受美国商业影响的域外文化，亦感受他作品的震撼力。

利希滕斯坦的绘画或雕刻作品，引用自漫画、日用品、广告以及一些美术史上名画家的作品造型，转化成他自己独创的技法与创作风格。他不断改变风格，晚年还尝试创作中国式网点山水画，追求东方绘画中闲静安宁的气息。

3、草间弥生

女性波普代表、圆点女王、日本艺术天后、话题女王、精神病患者、怪婆婆等诸多标签加在一起，都不足以囊括草间弥生复杂而多变的一生。这位和荒木经惟一起被批评为日本坏品位的代表人物，年逾80岁，用半个世纪的艺术创作来不断证明自己，见证了当代艺术史。

在美国波普艺术的兴盛期，草间弥生，作为唯一一个日本女人被载入西方波普艺术史。其实，不仅波普艺术，极简主义、超现实主义、抽象表现主义都想拉她入帮，因为她的艺术风格不仅独特前卫，还具有东方特质的抽象表现主义语言，同时又兼具了耐人寻味的、可琢磨、可探寻的形式美。草间“前卫女王”的称谓可谓名副其实！

4、村上隆

新波普艺术代表。村上隆是日本新波普艺术的主要代表人物，他收到欧美波普艺术的影响，同时也引领日本新波普艺术运动。村上隆的作品有很强的波普艺术视觉语言的影子，不过村上隆的作品不同于美国式波普艺术，他的波普艺术不仅仅停留在架上艺术品当中，他表现的内容来源于大众流行文化同时也作用于商品文化。

他的艺术形象与诸多奢侈品牌的结合使得其作品的相关衍生产品一定程度上影响了艺术的日常生活化。

5、理查德•汉密尔顿

波普艺术之父，杜尚学生。作为最早的一批波普艺术家，汉密尔顿的作品尝试过各种媒介，包括油画、版画、雕塑、,拼贴等。他1956年的拼贴作品：究竟是什么东西使今天的家庭如此的不同，这么吸引人？在伦敦“这就是明天”的展览上产生极大反响，很多批评家因此把汉密尔顿称为“波普艺术之父”

他的代理画廊高古轩评价说，汉密尔顿的智力过人，他是一个富于创新精神的人。作为一位先锋艺术家，他有无与伦比的技巧、发明创造性和持久权威性。汉密尔顿一直对当代社会的真实性感到着迷——无论是在政治还是在道德层面，这让他成为在现代艺术一直走在前沿的艺术家。他对随后艺术家的影响也是不可估量的。

6、大卫•霍克尼

拼贴画风的波普艺术，大卫•霍克尼作为20世纪最具影响力的英国艺术家，无论走到世界任何地方，都是受到热烈的欢迎。霍克尼早年追随汉密尔顿与安迪沃霍尔发展波普艺术，数十年中霍克尼绘画都吸取这种波普艺术的特点，又创造性地融入他的艺术品之中。

在霍克尼40多年的艺术生涯中，总是在不断地思索已有的各种视觉艺术生产模式，影印机、传真机、宝丽莱快照都可以称为他的“画笔”。“霍克尼式”拼贴是艺术家用宝丽莱相机拍摄同一对象的不同局部，身为画家的霍克尼将拼贴中不可避免的重叠、错位、偏移等而亦赋予绘画般的感觉，从某种程度上说是将相机创作带入了一个全新而奇妙的世界。

7、凯斯•哈林

波普涂鸦代表，凯斯•哈林，美国街头绘画艺术家和社会运动者。他的涂鸦在今天已经成为流行文化中的一部分，在日常生活中几乎随处可见。

凯斯·哈林的作品带有浓厚的波普艺术风格，粗轮廓线，单色、空心的抽象人、动物等图案，他的作品经常犹如某种复杂花纹，各种图案充满了整个构图，往往没有透视，也没有肌理，但具有许多象征性的感情，如吠叫的狗，跪趴着的小人等。

8、格哈德•里希特

自诩的“照相画”波普艺术家。格哈德•里希特，自诩为德国的波普艺术家。上世纪60年代，当时的西德正处于强烈反对架上绘画的环境中。同时，美国波普艺术和照相写实艺术也在里希特的视野之内。里希特面对如此众多的艺术潮流并没有择其一而从之，而是选择了一种独特的创作方法论，即照片绘画。

这些作品表面相同，实质上却由于特殊手法的处理而呈现细微的视觉差异，并完全不同于美国波普艺术体现出来的商业化特征，它们标志着里希特运用图像新阶段的开始。此后，里希特对不同媒介的图像进行探索和创作，批评家把这一类作品称为“照相画”。

9、阿历克斯•卡茨

波普人物肖像代表。阿历克斯•卡茨艺术家大胆的肖像和抒情的风景成为当代艺术知名的代表图像，他的作品在抽象与表现之间擦出了对话火花。自从60年代在美国艺术圈崛起至今，因为其作品简洁明快的风格，卡茨一直是人们如数家珍的波普艺术大师之一。但事实上，卡茨从未对商业化的流行文化和大众媒体表现过太多的兴趣，他执迷于人物肖像的创作。

虽然他的绘画与当时流行的波普艺术是若即若离的，相比于反复使用媒体图像和流行文化元素的安迪•沃霍尔和罗伊•利希滕斯坦，卡茨的画更平面、鲜艳，也更安静、友好。可以说，他是独立于波普艺术的一个特殊存在。

10、克莱斯•奥登伯格

很有意思的一位波普公共艺术家。克莱斯•奥登伯格或许是波普艺术家中最激进、最富有创造性的一个。在经历了一段用涂鸦般的手法组合废弃材料的艺术实践之后，1976年，他开始进行具象的实物艺术创作。他的实物雕塑包含有许多，似乎想把日常生活中所知所见的任何物品都转化为艺术品。

这些作品通俗易懂，而且是波普艺术中唯一在全世界中留传下来的公共艺术作品。奥登伯格的艺术生涯中创作了大量雕塑、装置及偶发艺术作品。1970年创作的公共艺术《衣夹》（Clothpin），奠定了他在波普运动和公共艺术中的重要地位。

奥登伯格的作品题材多来源于大众生活中的常见物品，通过对其进行无限放大或改变其固有材质，制造与公众日常经验的反差，从而营造幽默诙谐的效果。

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